CAN - TAGO MAGO (1971)

 

Tago Mago é o segundo álbum de estúdios da carreira da banda alemã Can. O lançamento oficial aconteceu em agosto de 1971 pelo selo United Artists. As gravações ocorreram num castelo entre o fim de 1970 e o início do ano seguinte. A produção ficou a cargo do próprio grupo.

Origens

A banda Can foi formada em Colônia, Alemanha, em 1968, por Holger Czukay (baixo), Irmin Schmidt (teclado), Jaki Liebezeit (bateria) e Michael Karoli (guitarra).

Czukay e Schmidt eram de formação acadêmica, alunos do compositor Karlheinz Stockhausen, e eram fascinados pelas possibilidades do rock and roll. A banda inicialmente usou o nome Inner Space.

No final de 1968, a banda recrutou o vocalista americano Malcolm Mooney. Eles gravaram um álbum, Prepare to Meet Thy Pnoom, mas não conseguiram encontrar uma gravadora para lançá-lo. Eles apareceram brevemente no filme Kamasutra: Vollendung der Liebe de 1969, apoiando a cantora Margarete Juvan.

Holger Czukay

Por sugestão de Mooney, a banda mudou seu nome para Can. Mooney sugeriu o nome por seus significados positivos em vários idiomas. Liebezeit mais tarde sugeriu o acrônimo "comunismo, anarquismo, niilismo", depois de uma revista inglesa afirmar que este era o significado pretendido.

Mudança para Schloss Nörvenich e tragédia

O Can aceitou o convite de um amigo para se mudar para seu castelo, Schloss Nörvenich, e usá-lo como estúdio de gravação. Lá, gravaram seu álbum de estreia, Monster Movie (1969). o trabalho continha novas versões de duas músicas previamente gravadas para Prepared to Meet Thy Pnoom, "Father Cannot Yell" e "Outside My Door". Monster Movie foi aclamado por público e crítica.

Durante uma apresentação ao vivo, Mooney sofreu um colapso mental, gritando "upstairs, downstairs" por três horas, mesmo depois do Can ter parado de tocar. Seguindo o conselho de seu psiquiatra, ele deixou o Can e retornou aos EUA no final do ano. Mooney fez suas últimas gravações com Can em dezembro de 1969.

Chegada de Suzuki

Mooney foi substituído em 1970 por um jovem viajante japonês, Damo Suzuki. Czukay e Liebezeit encontraram Suzuki cantando em frente a um café em Munique e convidaram-no para se juntar à apresentação no palco naquela noite.

Nos anos seguintes, o Can lançaria seus trabalhos mais aclamados. Embora suas gravações anteriores tendessem a ser pelo menos vagamente baseadas em estruturas musicais tradicionais, em seus álbuns de meio de carreira a banda voltou a um estilo de improvisação extremamente fluido.

Irmin Schmidt

O disco

Tago Mago foi gravado por Czukay no Schloss Nörvenich, um castelo medieval em Nörvenich, Renânia do Norte-Vestfália, entre novembro de 1970 e fevereiro de 1971. No início de 1968, a banda foi convidada a ficar um ano sem pagar aluguel no castelo pelo colecionador de artes Christoph Vohwinkel, que alugou o castelo com a ideia de transformá-lo em um centro artístico.

A gravação levou três meses para ser concluída, com sessões muitas vezes durando até 16 horas por dia. Czukay editava as longas e desorganizadas jams da banda em canções estruturadas.

Czukay usou apenas dois gravadores de dois canais para capturar as sessões. Devido aos limites da gravação em dois canais, o grupo preferiu a gravação no hall de entrada do castelo, utilizando a sua reverberação natural e posicionando os microfones de forma ideal em relação aos seus instrumentos. Czukay aproveitou a reverberação do salão e limitou a banda a três microfones, compartilhados entre Suzuki e Liebezeit. O tecladista Irmin Schmidt fez experiências com osciladores no lugar de sintetizadores típicos em "Aumgn".

Tago Mago foi o primeiro álbum do Can a conter gravações "intermediárias", para as quais Czukay gravou secretamente os músicos tocando durante as sessões de pré-produção. Ele também capturou gravações intermediárias dos gritos de uma criança que entrou por engano na sala durante a gravação, bem como o uivo do cachorro de Vohwinkel.

Segundo Czukay, o álbum recebeu o nome inspirado na Illa de Tagomago, uma ilhota perto de Ibiza, no arquipélago das Baleares, por sugestão de Liebezeit. Tago Mago foi originalmente lançado na Alemanha em agosto de 1971 pela United Artists Records. O lançamento britânico, com arte diferente, ocorreu em fevereiro de 1972.

Tago Mago viu o Can mudar para um som mais jazzístico e experimental do que nas gravações anteriores, com interlúdios instrumentais mais longos e menos vocais; essa mudança foi causada pela diferença dramática entre Suzuki e o ex-vocalista mais dominante da banda, Mooney.

Jaki Liebezeit

O Can se inspirou em fontes tão diversas de músicos de jazz como Miles Davis até a música eletrônica de vanguarda. O álbum também foi inspirado no ocultista Aleister Crowley, o que se reflete em seu som sombrio e em seu título. Seu nome é uma homenagem a Illa de Tagomago, uma ilha que aparece na lenda de Crowley, e o título da faixa "Aumgn" vem da interpretação de Crowley da sílaba do mantra hindu Om.

Tago Mago está dividido em dois LPs, sendo o primeiro mais convencional e estruturado e o segundo mais experimental.

A faixa "Halleluhwah", que fecha o primeiro disco, foi encurtada de 18 minutos e meio para 3 minutos e meio para ser lançada como lado B do single não-álbum "Turtles Have Short Legs", uma canção inédita gravada durante as sessões de Tago Mago e lançada pela Liberty Records em 1971.

PAPERHOUSE

“Paperhouse” trabalha musicalmente a desconstrução do convencional. A faixa começa com uma configuração tradicional, mergulhada na psicodelia, para avançar a passagens truncadas e quebras de expectativas.

A temática da canção gira em torno da percepção e da construção da realidade a partir da mente, conceito profundamente ligado à contracultura e à expansão da consciência. Musicalmente e liricamente, “Paperhouse” ainda mantém vínculos com o rock psicodélico, mas já sugere a ruptura com a lógica narrativa tradicional, substituindo-a por associações simbólicas e estados mentais.

MUSHROOM

Menor música do disco, “Mushroom” tem um ritmo mais constante, por vezes lembrando uma sonoridade marcial.

Liricamente, a canção sugere alienação e transformação psicológica. Suzuki utiliza imagens fragmentadas e repetição para evocar um estado alterado, enquanto a sonoridade minimalista reforça a sensação de isolamento e ameaça. O resultado é uma meditação sobre destruição — seja física, seja mental — filtrada por uma linguagem simbólica.

OH YEAH

Com a bateria de Liebezeit arrasando, “Oh Yeah” é uma faixa mais tradicional, contando com bons vocais de Suzuki e um ritmo contagiante.

Suzuki alterna entre palavras reconhecíveis e fonemas desconexos, como se estivesse explorando os limites entre comunicação e ruído. A temática pode ser interpretada como uma dissolução do ego, reforçando o caráter surrealista da obra.

HALLELUWAH

Esta é uma faixa que supera os 18 minutos, a maior do disco, e encontramos aqui o rock e o jazz se fundindo de maneira magistral, com a guitarra de Michael Karoli soando perfeita. Música magnífica.

A estrutura lírica é baseada na repetição e na improvisação, criando um efeito hipnótico que remete a rituais ou estados meditativos. O foco não é contar uma história, mas induzir uma experiência. Musicalmente sustentada por um ritmo obsessivo, a canção transmite a sensação de jornada interior, em que o indivíduo busca sentido em meio ao caos.

AUMGN

Com mais de 17 minutos, “Aumgn” é uma viagem totalmente transcendental, contando com várias experimentações radiofônicas, vozes, colagens de sons, enfim, é caótica.

Liricamente, a faixa não apresenta narrativa tradicional. Em vez disso, explora o som como linguagem espiritual e psicológica. O efeito é inquietante: uma espécie de descida ao inconsciente, evocando medo, dissolução e confrontação com o vazio interior.

PEKING O

O destaque aqui é para a atuação vocal de Suzuki, a qual oscila entre murmúrios, gritos e sons inarticulados, sugerindo um estado de desorientação ou ruptura mental.

A temática pode ser interpretada como uma representação da alienação moderna ou da perda da identidade individual. Ao abandonar completamente a linguagem convencional, a canção questiona a própria natureza da comunicação humana.

BRING ME COFFEE OR TEA

A faixa final oferece um contraste significativo com o caos anterior. Sua temática é mais contemplativa e serena, evocando um retorno à realidade ou um estado de calma após uma experiência intensa.

O título sugere um gesto cotidiano e humano, simbolizando talvez a reintegração do indivíduo após a desintegração psicológica explorada nas faixas anteriores. Liricamente e emocionalmente, representa uma espécie de resolução — não no sentido tradicional, mas como aceitação do fluxo da consciência.

Michael Karoli

Considerações Finais

Dado ao seu caráter totalmente inventivo e inovador – além de ser um grupo fora do eixo Estados Unidos e Inglaterra – Tago Mago não apareceu nas duas principais paradas de sucesso do mundo musical.

Tago Mago foi aclamado pela crítica e é creditado como pioneiro em vários estilos musicais modernos. Raggett chamou Tago Mago de "uma raridade do início dos anos 70, um álbum duplo sem uma nota desperdiçada". Muitos críticos, especialmente no Reino Unido, estavam ansiosos para elogiar o álbum e, no final de 1971, o Can havia tocado seu primeiro show no Reino Unido.

Julian Cope escreveu em seu livro Krautrocksampler que Tago Mago "soa apenas como ele mesmo, como ninguém antes ou depois" e descreveu as letras como uma investigação "abaixo do Inconsciente". Dummy chamou-o de "uma obra que define o gênero da música rock psicodélica e experimental". O crítico do Melody Maker, Simon Reynolds, descreveu o disco como "avant-funk xamânico". (seja lá o que isso for).

Damo Suzuki

Vários artistas citaram Tago Mago como influência no seu trabalho. John Lydon, do Sex Pistols and Public Image Ltd., chamou-o de "impressionante" em sua autobiografia, Rotten: No Irish, No Blacks, No Dogs. Bobby Gillespie do Jesus and Mary Chain e Primal Scream disse sobre o álbum: "A música era diferente de tudo que eu já tinha ouvido antes, nem americana, nem rock & roll, mas misteriosa e europeia." Mark Hollis do Talk Talk chamou Tago Mago de "um álbum extremamente importante" e uma inspiração para o álbum Laughing Stock de 1991. Marc Bolan do T. Rex listou o lirismo de forma livre de Suzuki como uma inspiração. Jonny Greenwood e Thom Yorke do Radiohead citam o álbum como uma das primeiras influências.

Prêmios

Pitchfork: "Os 100 melhores álbuns da década de 1970" (2004) - 29º

Uncut: "200 melhores álbuns de todos os tempos" (2016) 88º

NME: "Os 500 melhores álbuns de todos os tempos da NME" (2013) 409º

Sounds: "Os 100 melhores álbuns de todos os tempos" (1986) 51º

Mojo: "Os 100 registros que mudaram o mundo" (2007) 62º

The Guardian: "1000 álbuns para ouvir antes de morrer" (2007)

Tom Moon "1.000 gravações para ouvir antes de morrer" (2008)

Em 1971, a banda compôs a música para a minissérie policial em três partes da televisão alemã Das Messer ("The Knife"), dirigida por Rolf von Sydow. A faixa "Spoon" foi usada como tema e, lançada como single, alcançou a posição 6 na parada de singles alemã.

Tago Mago foi seguido em 1972 por Ege Bamyasi, terceiro disco de estúdios do conjunto.

Formação:

Damo Suzuki – Vocal

Holger Czukay – Baixo, Engenharia, Edição

Michael Karoli – Guitarra elétrica, Violão, Violino

Jaki Liebezeit – Bateria, Contrabaixo, Piano

Irmin Schmidt – Órgão Farfisa e Piano elétrico, Eletrônica, Voz (na faixa 5)

Faixas: (as músicas foram creditadas a todos os membros da banda)

1. Paperhouse - 7:28

2. Mushroom - 4:03

3. Oh Yeah - 7:23

4. Halleluhwah - 18:32

5. Aumgn - 17:37

6. Peking O - 11:37

7. Bring Me Coffee or Tea - 6:47

Opinião do Blog:

Resumir uma obra tão influente e importante quanto Tago Mago em um modesto post é quase impossível. Também, preciso confessar, não me sinto nada capacitado para analisar um disco como esses.

Entretanto, acho fundamental trazê-lo aqui para que esta audiência qualificada vá atrás para conhecê-lo, ou, caso o conheça, o ouça novamente. Não existem muitos discos como estes por aí.

Minha primeira impressão é que este disco carece de um certo “esforço” para ser apreciado. Sua musicalidade quase caótica, em especial em sua segunda metade, exige um tanto de concentração para ser digerida – ah, e é necessário que você esteja na vibe.

O segundo ponto é que o rock está por todo o disco. Mais esfuziante na primeira metade, claro, mas como um coadjuvante de luxo nos momentos mais anárquicos da segunda metade.

A terceira vista, é que, poucas vezes você ouvirá um álbum de Rock experimental como este, construído com tanta elegância e com tanto talento. Os músicos que compunham a banda eram de capacidades ímpares.

Aqui não há músicas de enchimento e todo o disco é inesquecível. Eu adoro o apuro melódico da linda “Paperhouse”. “Mushroom” é mais curta e mais direta, enquanto o lado sombrio, caótico e imprevisível de “Aumgn” é instigante.

Mas nossas favoritas são a tradicional (para os padrões do Can) “Oh Yeah” e o Jazz Fusion primoroso da inigualável “Halleluhwah”.

Enfim, como dissemos, Tago Mago mudou os caminhos da música, influenciando jovens artistas de diferentes sonoridades e traçando novos parâmetros para a música desde então. Um álbum histórico.